Yes

Rebecca Saunders

Yes bezieht sich auf den Monolog der Molly Bloom, das letzte Kapitel in James Joyces’ Ulysses. Dieser Monolog kann als eine Art literarische Collage betrachtet werden, als ein Gewebe aus zahllosen Pfaden von Erzählungen, Gedanken und Momenten in einem kontinuierlichen, gnadenlosen Fluss hoher Energie – eine Momentaufnahme, ein Zustand vor und während des Einschlafens und in der Dämmerung des Unterbewusstseins.

Zwischen Momenten der An- und Abwesenheit fließend, ist der Text nicht immer hörbar und bleibt oft subkutan, aber stets spürbar und präsent. Der Monolog wird häufig gesungen, aber auch von der Sopranistin und den Instrumentalist*innen rezitiert, sei es im Ein- oder Ausatmen, halb geflüstert, fast geräuschlos oder unterdrückt hinter vorgehaltener Hand. Mitunter tauchen einzelne Worte oder Textteile auf, werden sichtbar, hörbar und verständlich, verschwinden dann aber wieder im Fluss der Musik – so wie auch in Molly Blooms innerem Monolog, in ihrem Gedankenstrom Momente ihrer Biographie, ihrer Persönlichkeit, ihrer Erinnerungen vorübergehend Gestalt annehmen, um dann wieder in den Strom der Zeit abzutauchen.

In der Arbeit mit der Stimme, mit ihren Grenzen und dem Bedürfnis zu atmen lässt sich eine ungeschönte menschliche Verletzlichkeit zeigen, eine intime Unmittelbarkeit – und beim Erkunden verschiedenster Wege, mit dem Atem umzugehen, eröffnete sich eine ganz neue Welt klanglicher und emotionaler Möglichkeiten. Sinn der verschiedenen Formen der Textrezitation ist unter anderem, den Monolog in eine Vielzahl klanglicher Oberflächen zu verwandeln bzw. ihn darunter zu verbergen. Diese „sound surfaces“ werden dann von der Musik angedeutet, aufgegriffen und neu kontextualisiert. Auch wenn Yes nicht auf konkrete Bedeutung angelegt ist, lässt das Zusammenspiel von Text und Musik inhaltliche und emotionale Zusammenhänge des Textes zum Vorschein kommen.

Das sich wiederholende „Yes“ ist vieldeutig und komplex, wirft viele Schatten und verweist auf verschiedene Themen: auf den Moment des Orgasmus im Halbschlaf; auf das lebensbejahende „Yes“; auf das „Yes“, das das Annehmen des Schicksals besiegelt; auf Blooms Erinnerung an unzählige sexuelle Begegnungen. Diese zutiefst erotischen Momente mit ihren romantischen bis ernüchternd grotesken Facetten werden im Text in unterschiedlichen Schattierungen abgebildet, verlaufen ineinander oder überlagern sich. Yes beleuchtet einige der freizügigsten Passagen des Monologs, um einen züchtigen, klischeehaften Eindruck von Molly Bloom zu vermeiden, und dringt dabei bis in die Abgründe des Joyce’schen Textes vor, deren geballte sexuelle Energie sich jeder Definition von Geschlecht oder Gender verweigert.

Eine Sängerin steht auf der Bühne – ein an sich schon theatralisches Moment. Der menschliche Körper, die Erwartung an ihn, jede Bewegung der Augen oder der Mundwinkel – darin liegt endlos viel Potential verborgen. In Yes werden Sopranistin wie Instrumentalist*innen als Protagonisten in einer Art abstraktem Theater betrachtet. Sie agieren in einer gemeinsamen akustischen Landschaft. Die 28 einzeln komponierten Solo-, Kammermusik- und Ensemblestücke – die Module – sind im Raum verteilt und werden in räumlicher und musikalischer Polyphonie collagenartig miteinander kombiniert.

Fast jedes Modul stellt einen in sich unveränderlichen Zustand dar, mit erschöpfender Beharrlichkeit, anhaltend und im Wesen immer gleich. Wiederholte Klangfragmente, beständig leicht variiert, erschaffen allmählich ein umfassendes Bild. Es entsteht eine riesige Skulptur, ein Mobile, das unberührt verharrt, während man es aus verschiedensten Perspektiven betrachtet: Das Licht verändert sich, wie sich auch der Fokus und die Position der Wahrnehmung ändern, wie sich Nähe und Distanz zum Objekt abwechseln – eine manifeste komplexe Dehnung des einen Gegenstandes.

Yes entwirft eine Musik, die aus dem Fluss der Zeit heraustritt, die wie eine Klangskulptur in den Raum projiziert wird – und im Moment des Zuhörens einen absoluten Fokus auf die physische Präsenz des Klangs anstrebt.
Rebecca Saunders, 2017