Parsa Zandi wurde 2004 in Teheran, Iran, geboren. Er studierte Komposition bei Mohammad H. Javaheri, Karen Keyhani und Armin Sanayei im Iran. Im Alter von 17 Jahren wurde er an der Universität für Musik und darstellende Kunst in Graz, Österreich, aufgenommen und studierte zwei Jahre lang Komposition bei Beat Furrer. Zurzeit studiert er unter der Leitung von Annesley Black. Parsa hatte Kompositionsunterricht bei Komponisten wie Franck Bedrossian, Clemens Gadenstätter, Klaus Lang, Pierluigi Billone, Iris ter Schiphorst, Johannes Maria Staud, Chaya Czernowin, Samir Odeh Tamimi und Mathias Hinke. Seine Musik wurde von Ensembles wie dem Ensemble Modern, dem Ensemble Zeitfluss, dem Ensemble für Neue Musik und dem Roadrunner Trio in Österreich, Deutschland, den Niederlanden, Irland, den USA, Kanada und Spanien aufgeführt.

Christoffer Håård ist ein in Oslo lebender Komponist für zeitgenössische Musik. Seine Musik zeichnet sich oft durch die Erkundung musikalischer Räume zwischen dem Verletzlichen und dem Banalen aus, in denen zerbrechliche und instabile bis hin zu abrasiven Klängen leben, atmen, sich entwickeln und aussterben dürfen – sowie spielerische musikalische Idiome, die große Naivität zeigen, nebeneinander existieren.
Geboren 1997 in Jönköping, Schweden. Seit 2023 ist er im Masterstudiengang Komposition an der Norwegischen Akademie in Oslo eingeschrieben, wo er auch sein Bachelorstudium absolvierte. Davor studierte er an der Gotland School of Composition (Visby, Schweden) im Pre-Bachelor-Programm. Darüber hinaus verbrachte er ein Jahr als ERASMUS-Austauschstudent an der Hochschule für Musik Carl Maria von Weber in Dresden, Deutschland. Zu seinen früheren Kompositionslehrern gehören u. a. Asbjørn Schaathun, Eivind Buene, Mark Andre, Trond Reinholdtsen, Stefan Prins und Per Mårtensson. Außerdem erhielt er Unterricht und Meisterkurse u. a. von Chaya Czernowin, Manos Tsangaris, George Lewis, Carola Bauckholt und Lisa Streich.

Sandra Boss ist eine in Dänemark lebende Komponistin und Performerin, die im Spannungsfeld zwischen Instrumentalmusik, Elektronik, Installation und Performance arbeitet. Ihr kompositorischer Tonfall ist ausgesprochen forschend mit einem starken Interesse an den klanglichen Möglichkeiten von Instrumenten. Ein wichtiges Element ihrer Arbeit ist der physische Dialog mit den Instrumenten, wobei die Instrumente durch externe Objekte oder Modifikationen verbogen werden. Sandra Boss hat einen Hintergrund in klassischer Musik und studierte später elektronische Musik an der Royal Academy of Music in Dänemark. Sie hat auch einen künstlerisch orientierten Doktortitel über Klangkunst von der Universität Aarhus, Dänemark.

Yifan Guo ist ein chinesischer Komponist, Performer und Intermedia-Künstler, der sich auf die innovative Erforschung mehrdimensionaler Musikwahrnehmungserfahrungen spezialisiert hat und dabei sowohl klangliche als auch nicht-klangliche Elemente in seinen Performances einsetzt. Mit einer Reihe von kompositorischen Praktiken, die von Musiktheater über akustische Musik und elektroakustische Musik bis hin zu Klanginstallationen und intermedialen Performances reichen, möchte Guo einen Beitrag zur innovativen Landschaft der Bühnenwerke leisten. Als Verfechter zeitgenössischer Musik und Musiktechnologie gibt Guo sein Fachwissen durch Vorträge und Workshops an Institutionen wie dem Sichuan Conservatory of Music, dem Xinghai Conservatory of Music, der South China Normal University, der East China Normal University und dem Guangzhou DaoHe Institute weiter. Außerdem unterrichtet er regelmäßig am X-Institute in Shenzhen.

Nigar Suleyman wurde 1999 in Aserbaidschan geboren. Sie studierte Komposition an der Musikakademie in Baku und an der Estnischen Akademie für Musik und Theater und hat Kompositionen für Klavier solo, Klaviertrio, Streichquartett, Kammerorchester und Symphonieorchester geschrieben. Sie hat mit dem Staatlichen Symphonieorchester Aserbaidschan, dem Cadenza Contemporary Orchestra und dem Moscow Contemporary Music Ensemble zusammengearbeitet. Sie hat den ersten Preis beim WBM-Wettbewerb (Polen, 2024), den ersten Preis beim „Stars‘-Projekt“ (Russland, 2015) und den zweiten Preis beim Internationalen Jazzfestival (Aserbaidschan, 2019) gewonnen. Sie erhielt ein Diplom in „Nizami-Romantik“ (Aserbaidschan, 2021) und hat an Seminaren mit Komponisten wie Alexander Khubeev, Einnike Leppik, Anton Safronov und Tammo Summer teilgenommen. Zu den Festivals, an denen sie teilgenommen hat, gehören das Uzeyir Hajibeyli Festival (Aserbaidschan), das Uudislooming Festival (Estland) und das 14. internationale Tschaikowsky Festival (Russland). Sie hat auch mit Filmregisseuren zusammengearbeitet, was zur Komposition von Filmmusik für über zehn Kurzfilme und zwei Fernsehserien führte.

Aaron Zimmer ist ein Komponist, der sich der Erschaffung bedeutungsvoller und meditativer musikalischer Erfahrungen verschrieben hat. Seine Kompositionen, die von Ensembles wie ICE, JACK Quartet und Musikfabrik aufgeführt werden, erkunden Klang, Zeit und Ort. Als Mitbegründer von Bent Wrench setzt er sich für neue Musik ein, indem er innovative Werke in Auftrag gibt. Aaron ist auch ein versierter Interpret und Tontechniker, der klassische Künstler in LA, DC und Baltimore aufnimmt. Er hat einen M.M. in Komposition von Peabody und strebt einen Master in Recording Arts an.

Tianyu Zou ist ein Musikproduzent und Komponist, der sich hauptsächlich mit Klang, Performance, Installation und Multimedia beschäftigt. In den letzten Jahren waren seine Projekte bei Festivals wie Liminal (Salzburg), Rümlingen und dem Lucerne Festival zu sehen.

Alisa Kobzar (*1989, Ukraine) ist Komponistin, Multimedia-Künstlerin und Lehrerin. Sie ist 2014 Absolventin der Nationalen Musikakademie Kiew und lebt seit 2018 in Graz, wo sie an der Universität für Musik und darstellende Kunst Computermusik und Klangkunst studiert. Ihre multidisziplinären Werke vereinen elektronische Musik und Klangkunst und wurden weltweit aufgeführt. 2019 gründete sie gemeinsam mit Lisa Mc Guire das Duo rotkäppchen, das sich auf interaktive Multimedia-Kompositionen konzentriert. Im Jahr 2024 wurde sie mit dem Österreichischen Staatsstipendium für Komposition ausgezeichnet. Mehr Informationen unter alisakobzar.mur.at.

Hannah A. Barnes ist eine in Montréal lebende Komponistin, Dirigentin und Performerin. Ihre kompositorischen Interessen konzentrieren sich auf dornige Harmonien, eigenwillige und schräge Materialien und rhizomatische Strukturen. Ihr geht es darum, komplexe Musik zu schaffen, die die Spannung zwischen strenger Kontrolle und Strenge und ungezügeltem Chaos und Ausdruck hervorhebt. Kollaboration ist für ihre kompositorische Praxis von wesentlicher Bedeutung. Derzeit studiert sie Komposition an der McGill University, nachdem sie an der DePaul University ihren Master- und Bachelor-Abschluss in Komposition mit Auszeichnung gemacht hat.

Eunhye Joo (*1996, Seoul) studierte Komposition am Hanyang University College of Music und schloss ihr Studium 2019 mit Auszeichnung ab. Sie studierte bei Prof. Sidney Corbett und schloss ihr Studium mit einem Master an der Staatlichen Hochschule für Musik und Darstellende Kunst Mannheim ab. Seit 2023 studiert sie Komposition (Konzertexamen) an der Hochschule für Musik und Theater Hamburg bei Prof. Gordon Kampe.
Ihre Werke wurden vom Ensemble SONOR XXI, Ensemble Eins, Ensemble Via Nova, Ensemble Hashtag, Ensemble Impronta, Ensemble Recherche, Tetra Brass Ensemble München, Georg Katzer Ensemble Berlin, IEMA Alumni Ensemble, AsianArt Ensemble, Sinfonieorchester TonArt Heidelberg, Les Percussions de Strasbourg, Ensemble Linea, mdi ensemble und Ensemble Ascolta aufgeführt. Seit 2018 ist sie Resident Composer des Ensemble SONOR XXI.

A life in music is often rich with insight, creativity, and moments of transcendence. But it is also an extraordinarily demanding profession, one that can deeply impact an artist’s physical health and emotional well-being. Struggles that can happen to anyone – an illness, an injury – can exert an outsized impact on an artist’s career. „Lost Voices“ delves into the challenges of this world, sharing stories of loss, resilience, and transformation. An overwhelming majority of professional musicians confront injuries (such as overuse syndrome or hearing loss), mental health struggles (like depression or severe anxiety), and addictions. Personal and familial relationships are often put under pressure from musicians’ financial precarity and structural porousness that fails to distinguish life from work, and professional pressures can lead to creative blockages or burnout. For some, these struggles mark the end of a career. Many in the music industries hesitate speaking openly about these issues, fearing professional impacts of disclosure in an environment in which success-signaling is a norm, perhaps even an imperative. This lack of transparency often denies artists the possibility of receiving the support they need to recover. „Lost Voices“ wants to bring these stories to light—stories of adversity, renewal and transformation. It seeks to inspire understanding and compassion, honoring not just the artistry of musicians but also the courage it takes to endure and overcome the challenges that occur behind the music.

Satori is a Japanese word used in Zen Buddhism. Its meaning translates to a unique moment (extremely rare) of the self awakening – like an illumination – where the whole being enters in resonance with the forces of the Universe… Writing for a soloist melodic instrument has always fascinated me. Indeed I consider “the musical phrase” as a noble and fundamental parameter, whose presence leads to constantly taking up the challenge of the melodic invention. With Satori I therefore tried to bring my own contribution to this universe so fragile, so mysterious… by exploring a personal path. The main idea for Satori is based on the evolution of a process intimately linking two important musical concepts: the interval and the duration. If at the beginning of the score the musical phrases are expressed in small intervals and long durations, very progressively, towards the middle of the score, this binomial will be reversed with big intervals and short durations. This conception allowed me to create strange phenomena pertaining to the perception of time. Indeed, starting from a musical environment in which the durations are stretched-out, the piece gradually breaks with an even chronology, in order to penetrate into the vertiginous spirals of Time, by analogy with those sought by Zen Buddhist monks in their quest of Satori.

Voces amissae (Lost Voices) is a work for vocalist and ensemble which explores different ways in which people have lost their voices, whether for medical, social, political or other reasons, in the context of a musical investigation into the mechanics of playing pianissimo. The idea came out of my ongoing interest in examining the minutiae of instrumental sounds – following on from a series of pieces for small forces, I wanted to take my exploration further in a longerform piece for a larger ensemble and felt that adding a singer would help give this focus. I approached the wonderful Dutch soprano Nora Fischer, with whom I had worked before, only to find that she had been having difficulties with her singing voice. But she still wanted to be involved and this gave us the idea to contextualize Nora’s own struggle in a wider exploration of how people can lose their voice. Nora and I separately interviewed a number of people who had in some way lost their voice and transcriptions of parts of those interviews form the basis of the text that Nora vocalizes throughout Voces amissae. I have also included a number of poems by the little-known but wonderful Serbian poet Draginja Adamović, someone who has also lost her voice since her death in 2000 because no one in her home country seems to be aware of how extraordinary her poems are. Voces amissae was created with funds from an Arts Council of Ireland Music Project award, with support from DICMF and Triskel Arts Centre.

What’s happening to me?
How did I get here?
I’m striving to think.

(“Under the glass of the volcano” no.2 – Draginja Adamović):
The fish-eyed man
He followed my every step
And there behind the narrow gates
A candle was burning in praise of nothing

After the operation my voice seemed fine, and then it started to become painful, like there was a continual sprain in my throat. They put a blade down to intubate and they nicked one of my vocal cords. I carried on singing and I suffered a lot of pain. I just couldn’t stand the pain. I would go for four months without having a conversation of any substance and that was bad for my mental health.

Muscles rigid as a rock surrounding the magical place where sadness and ecstasy transform into sound. Each rigid muscle showing me a burden I am carrying, that is not mine to hold. And with each released burden another muscle starts to move.

(“Under the glass of the volcano” no.3 – Draginja Adamović):
A ship with lowered sails
Enters the night
Chaos and screams in the ship
One chimney is smoking

I won several competitions but it ended soon because dreams and talents will be punished over there. They were torn down by my cousin whom I was forced to marry at eighteen years old. “You say you want to sing? I laugh in your marvellously bruised face.” My mouth closed.

My silence is marvellously untouchable to you. All your screams and swearing vanish in the black hole I have become.

Six months in hospital and all I could say was “yes”, “no”,
and “the possibilities are endless”. I must get better; I must
achieve my goals: I must experience the world whatever
that is…whatever that is.

(“Under the glass of the volcano” no.4 – Draginja Adamović):
The purple-eyed woman
Puts a loaf in the kiln
Is it Golgotha?
A mouth asks behind the black wall.
The crucified sound trembles in the air

I noticed my hand was being weird, like spasming. I didn’t think I was controlling it, it was up and down. Then I tried to call out, it was like grunting noises. I couldn’t speak at all, just gibberish. My baby was really young and I was terrified I would never talk to him or read him a story again. Before the stroke I was very introverted and shy – now I’m regretting not speaking more. It’s given me an appreciation of my voice.I’m very optimistic. I should be more realistic – I’m not. Very optimistic, maybe totally.

It’s the phones. People have always looked away from me but at least they noticed me. It was their own choice not to look me in the eye. And some would come for a chat or to give what they wouldn’t miss. But now, those phones have meant the end for us, their eyes are fixed on that lifeless thing in their hand. And even worse they started to plug their ears as well. I can yell as hard as I want but when everyone around me is blind and deaf what use does my voice have?

(“Under the glass of the volcano” no.1 – Draginja Adamović):
I was lying buried in the sand
And thought of four feet
Dead people were sitting on the shore
I chewed the food they chewed
Tasteless food
Two hands brought out an earthen bowl
I went to stop them
I touch
I give back
I failed
The bowl fell in front of my feet
And transformed into countless bowls

Vocabulary increasing bit by bit; it gives me confidence to get back what I’m trying to say. I want to express my observations on life, what it is to be alive, and to feel a sense of joy.

Als Resultat von Gedanken über Verletzlichkeit, Beständigkeit und Abwesenheit entstand Figure – Ground aus meinen eigenen phänomenologischen Zeichnungen eines Spaziergangs um die mächtige Erhebung des Uluru im Zentrum Australiens.
Georgina Bowden

Dieses Werk, das ozeanische Elemente wie Tiefe, Dichte, Bewegung und Trennung aufgreift, bezieht sich auf das Meer als ein vorherrschendes Thema des Traums und der spirituellen Evokation. Die Entfaltung des Stücks ruft zeitliche Elemente eines sich verändernden Meeres hervor, zusammen mit dem ihm innewohnenden Potenzial der Fragmentierung der Erzählung.
Dylan Lardelli

A blur of lichens ist meinem verstorbenen Großvater Frank gewidmet, einem Naturschützer, der sich im Alter von 96 Jahren in die Welt der Flechten verliebte. Der fast blinde Frank studierte die Bilder in Bibliotheksbüchern mit Hilfe von hellem Licht, Lupen und riesigen Brillen. Während die Seiten verschwammen, sich in der Schärfe verschoben und unscharf wurden, fesselte die Welt der bescheidenen Flechten mit ihrer Textur, ihren Farben und Mustern die Fantasie meines Großvaters.
Wenn ich diese Erinnerung an meinen Großvater auseinandernehme, stellt sich für mich die Frage nach dem Verschwimmen anderer Grenzen. Wie viel von dem, was ich bin, habe ich von meinem Großvater geerbt? Wie verwandelt sich Licht in Farbe? Wie ist es, als Flechte an der Schnittstelle von Zersetzung und Aufbau zu leben? Wo endet der Fels und wo beginnt der Himmel? Wo wird mein Atem zu der Luft, die Sie atmen?
Inspiriert durch Flechten als symbiotische Beziehungen zwischen Pilzen, Algen und Bakterien, bietet a blur of lichens Strukturen und Vokabular, um musikalische Gegenseitigkeit zu unterstützen. Jede Iteration entsteht frisch aus dem Moment ihrer Entstehung heraus. A blur of lichens wurde von Gordon Williamson mit Unterstützung des Ontario Arts Council in Auftrag gegeben.
Juliet Palmer

Die Instrumentierung für dieses Stück ist inspiriert von meiner jüngsten Komposition Odd Couples, einer Reihe von 24 Miniaturen für ungewöhnliche und unerwartete musikalische Paarungen. Ich fand, dass die Herausforderung, für eine selten (wenn überhaupt?) gehörte Kombination von Instrumenten zu komponieren, sehr schnell zu einer fruchtbaren und konzentrierten Erkundung der wenigen gemeinsamen Klangfarbenbereiche wird, die die Instrumente gemeinsam haben. Für mich bleibt es eine spannende Idee, da ich sonst nicht auf diese besonderen Klangfarbenkombinationen gestoßen wäre: Die Inspiration des Stücks liegt in der Instrumentierung selbst.
Indem Odd Throuple die Idee auf ein Trio ausweitet, erforscht es einige Schnittpunkte des Trios aus verschiedenen Perspektiven und musikalischen Charakteren und ermöglicht es uns, diese Instrumente in einem neuen Kontext neu zu entdecken.
Gordon Williamson

Im Alter von 15 Jahren wurde ich Jungstudent im Fach Klavier, sodass trotz des Altersunterschieds von knapp 16 Jahren, Uli und ich in einer Klavierklasse waren, er im Examenssemester. Während der Semesterferien bekam Uli den Auftrag, mich zu unterrichten. Bei der Arbeit an einer Fuge von Bach, schlug er vor, einige Motive mit Text zu versehen, um sie zu singen und so den Ausdruck zu intensivieren. Durchaus allgemein übliches Vorgehen, mir bloß zu dem Zeitpunkt noch unbekannt. Für ein viertöniges Seitenmotiv schlug er vor: “you never know” Das war für mich so unerwartet eindrücklich und gleichzeitig so passend, dass ich diesen Moment oft erinnere…
Tobias Schwencke

Das Wort Pomen kann sowohl als Erwähnung als auch als Erinnerung übersetzt werden, es steht aber auch für eine sehr alte serbische Tradition rund um den Tod, bei der verschiedene Rituale durchgeführt und traditionelle Lieder für die Verstorbenen auf eine ganz besondere – äußerst ausdrucksstarke und kraftvolle, aber dennoch nicht pathetische Weise gesungen wurden. Manche versinken in Trauer um ihre Lieben, manche feiern sie, manche tun beides, manche bringen Essen und Getränke, manche singen…
Das Stück ist wahrscheinlich nur einer von vielen Besuchen.
Milica Djordjević

Rodolfo Valente ist ein brasilianischer Komponist, der musikalische Tradition mit der Erkundung neuer Klänge verbindet. Drama, Schönheit und Ausdruck spielen in seiner Musik immer eine zentrale Rolle.

Gregor Kulla (geb. 2000) ist Komponist*, Performancekünstler*, Schriftsteller* und Model. Kulla studierte Komposition an der Estnischen Musik- und Theaterakademie und fokussierte sich auf nachhaltige Kunst an der EU School of Participation. Kulla wurde u.a. als Tartu Noor Kultuurikandja 2020 ausgezeichnet und lehrt seit 2021 an der Universität Tartu Viljandi. Kullas Arbeit thematisiert Gender Studies, Feminismus, Minderheitenkulturen und östliche Philosophien.

Bo Huang ist eine Komponistin aus Changsha, China. Ihre Werke werden weltweit aufgeführt. Sie hat mit renommierten Ensembles wie Ensemble Modern und Ensemble Musikfabrik zusammengearbeitet und ist Teilnehmerin der Lucerne Festival und ManiFeste Academy. Derzeit studiert sie Komposition an der Eastman School of Music.

Krõõt-Kärt Kaev (1992) ist eine estnische Komponistin, die in Hamburg lebt. Sie studierte Komposition an der Tallinn Music High School, Georg Otsa Music School und der Estnischen Musikakademie (Galina Grigorjeva). Ihren Bachelorabschluss in instrumentaler und elektroakustischer Komposition erwarb sie an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. Derzeit setzt sie ihr Masterstudium an der Kunstuniversität Graz bei Prof. Franck Bedrossian fort.

Njabulo Phungula ist ein Komponist aus Durban, Südafrika. Er erwarb seinen Abschluss an der University of KwaZulu-Natal, wo er bei Jürgen Bräuninger und später bei Clare Loveday studierte. Seine Musik erforscht komplexe Formen, inspiriert von den Konzepten Zeit, Erinnerung und dem kreativen Prozess selbst.

Ármin Cservenák ist ein ungarischer Komponist und Dirigent. Nach seinem Studium in Budapest setzte er seine Ausbildung an der Kunstuniversität Graz bei Beat Furrer, Bernhard Lang und Georg Friedrich Haas fort. Er ist Stipendiat der Akademie Musiktheater Heute und gewann 2022 den 3. Preis und den Publikumspreis beim 76. Concours de Genève.

Stephen Mulligan stammt aus Baltimore, Maryland (USA), und begann seine musikalische Laufbahn mit dem Geigenstudium, bevor er eine Karriere als Dirigent einschlug. Während der Pandemie erweiterte er seinen Fokus auf Komposition und erwarb einen Abschluss bei Jörg Widmann an der Barenboim-Said Akademie in Berlin.

Nilufar Habibian ist eine preisgekrönte iranisch-britische Komponistin und Kanun-Spielerin. Sie hat einen BA in Musik von der Royal Holloway, University of London, und einen Master in Komposition von der Guildhall School of Music and Drama sowie der Anton Bruckner Universität. 2023 wurde ihr Werk „Az Nahayate Tariki“ für den Royal Philharmonic Society’s Chamber-Scale Composition Award nominiert.

Dea Ahma wurde 2003 geboren und stammt aus Gjakova, Kosovo. Sie studiert derzeit Komposition im Bachelorstudium an der Universität Prishtina „Hasan Prishtina“ in der Klasse von Drinor Zymberi.

Emre Şener (geb. 2001) ist ein preisgekrönter türkischer Komponist und Dirigent. Er ist Mitbegründer und Dirigent der London Contemporary Soloists. Şener studierte an der Royal Academy of Music in London und schloss mit höchster Auszeichnung ab. Ab Herbst 2024 beginnt er sein Masterstudium an der Juilliard School.

Zampia Betty Mavropoulou ist eine griechische Komponistin, die in Hannover lebt. Sie hat ihr Diplom in klassischer Gitarre in Griechenland abgeschlossen und studiert derzeit Komposition an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. Sie studiert instrumentale Komposition bei Aaron Cassidy und  Niklos Drelas und elektronische Komposition bei Joachim Heintz.

Marie Nečasová lebt in Prag, Tschechien. Sie studierte Komposition in Prag, Linz und Lyon und setzt ihr Studium in Wien fort. Zusätzlich studierte sie Musikverlag, Buchgrafik und Alte Musik. In ihren Kompositionen verfolgt sie einen „visuellen“ Ansatz und verbindet Klangtexturen mit Stimmen und Melodien – Aquarellabstraktionen mit grafischen Linien.

Yalda Jahangiri (geb. 1999) studierte Musik an der Universität Teheran. Ihre Leidenschaft für zeitgenössische Komposition entdeckte sie während ihres Studiums. Derzeit studiert sie Komposition bei Maurizio Azzan, um ihre künstlerische Stimme weiterzuentwickeln.

Camila Agosto ist eine elektroakustische Komponistin, interdisziplinäre Künstlerin und Pädagogin in New York City. Ihre Arbeit wird von Konzepten wie Erinnerung, Wahrnehmung und psychoakustischen Erfahrungen inspiriert. 2023 erhielt sie den Berlin Prize der American Academy in Berlin und ist Deutsche Bank Fellow in Music Composition. Derzeit beendet sie ihr Doktoratsstudium an der Columbia University.

Hsin-HuaWang ist eine preisgekrönte taiwanesische Komponistin, Pianistin und Autorin, die in Los Angeles lebt. 2023 wurde sie bei den New Jersey Web Fest für die beste Filmmusik nominiert und erhielt 2021 den Preis „Special Achievement in Music for Animation“ von The American Prize. Sie hat einen MFA-Abschluss in Komposition von CalArts und einen Bachelor in Industriedesign von der National Cheng Kung University in Taiwan.

Hyo Eun (Heather) Ahn ist eine südkoreanische Komponistin, die derzeit in Baltimore lebt. Ahn studiert am Peabody Institute bei Oscar Bettison und Felipe Lara und hat zuvor Abschlüsse am Peabody Institute und der Ewha Women’s University erworben.

Cem Güven (geb. 1997) ist ein türkischer Komponist aus Istanbul. Er absolvierte die Juilliard School und die Royal Academy of Music und promoviert derzeit mit einem Stipendium an der Columbia University. Güven ist für den Gaudeamus Award 2024 nominiert und hat zahlreiche internationale Preise gewonnen. Seine Werke wurden von renommierten Orchestern und Ensembles aufgeführt.