Im Alter von 15 Jahren wurde ich Jungstudent im Fach Klavier, sodass trotz des Altersunterschieds von knapp 16 Jahren, Uli und ich in einer Klavierklasse waren, er im Examenssemester. Während der Semesterferien bekam Uli den Auftrag, mich zu unterrichten. Bei der Arbeit an einer Fuge von Bach, schlug er vor, einige Motive mit Text zu versehen, um sie zu singen und so den Ausdruck zu intensivieren. Durchaus allgemein übliches Vorgehen, mir bloß zu dem Zeitpunkt noch unbekannt. Für ein viertöniges Seitenmotiv schlug er vor: “you never know” Das war für mich so unerwartet eindrücklich und gleichzeitig so passend, dass ich diesen Moment oft erinnere…
Tobias Schwencke

Das Wort Pomen kann sowohl als Erwähnung als auch als Erinnerung übersetzt werden, es steht aber auch für eine sehr alte serbische Tradition rund um den Tod, bei der verschiedene Rituale durchgeführt und traditionelle Lieder für die Verstorbenen auf eine ganz besondere – äußerst ausdrucksstarke und kraftvolle, aber dennoch nicht pathetische Weise gesungen wurden. Manche versinken in Trauer um ihre Lieben, manche feiern sie, manche tun beides, manche bringen Essen und Getränke, manche singen…
Das Stück ist wahrscheinlich nur einer von vielen Besuchen.
Milica Djordjević

Rodolfo Valente ist ein brasilianischer Komponist, der musikalische Tradition mit der Erkundung neuer Klänge verbindet. Drama, Schönheit und Ausdruck spielen in seiner Musik immer eine zentrale Rolle.

Gregor Kulla (geb. 2000) ist Komponist*, Performancekünstler*, Schriftsteller* und Model. Kulla studierte Komposition an der Estnischen Musik- und Theaterakademie und fokussierte sich auf nachhaltige Kunst an der EU School of Participation. Kulla wurde u.a. als Tartu Noor Kultuurikandja 2020 ausgezeichnet und lehrt seit 2021 an der Universität Tartu Viljandi. Kullas Arbeit thematisiert Gender Studies, Feminismus, Minderheitenkulturen und östliche Philosophien.

Bo Huang ist eine Komponistin aus Changsha, China. Ihre Werke werden weltweit aufgeführt. Sie hat mit renommierten Ensembles wie Ensemble Modern und Ensemble Musikfabrik zusammengearbeitet und ist Teilnehmerin der Lucerne Festival und ManiFeste Academy. Derzeit studiert sie Komposition an der Eastman School of Music.

Krõõt-Kärt Kaev (1992) ist eine estnische Komponistin, die in Hamburg lebt. Sie studierte Komposition an der Tallinn Music High School, Georg Otsa Music School und der Estnischen Musikakademie (Galina Grigorjeva). Ihren Bachelorabschluss in instrumentaler und elektroakustischer Komposition erwarb sie an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. Derzeit setzt sie ihr Masterstudium an der Kunstuniversität Graz bei Prof. Franck Bedrossian fort.

Njabulo Phungula ist ein Komponist aus Durban, Südafrika. Er erwarb seinen Abschluss an der University of KwaZulu-Natal, wo er bei Jürgen Bräuninger und später bei Clare Loveday studierte. Seine Musik erforscht komplexe Formen, inspiriert von den Konzepten Zeit, Erinnerung und dem kreativen Prozess selbst.

Ármin Cservenák ist ein ungarischer Komponist und Dirigent. Nach seinem Studium in Budapest setzte er seine Ausbildung an der Kunstuniversität Graz bei Beat Furrer, Bernhard Lang und Georg Friedrich Haas fort. Er ist Stipendiat der Akademie Musiktheater Heute und gewann 2022 den 3. Preis und den Publikumspreis beim 76. Concours de Genève.

Stephen Mulligan stammt aus Baltimore, Maryland (USA), und begann seine musikalische Laufbahn mit dem Geigenstudium, bevor er eine Karriere als Dirigent einschlug. Während der Pandemie erweiterte er seinen Fokus auf Komposition und erwarb einen Abschluss bei Jörg Widmann an der Barenboim-Said Akademie in Berlin.

Nilufar Habibian ist eine preisgekrönte iranisch-britische Komponistin und Kanun-Spielerin. Sie hat einen BA in Musik von der Royal Holloway, University of London, und einen Master in Komposition von der Guildhall School of Music and Drama sowie der Anton Bruckner Universität. 2023 wurde ihr Werk „Az Nahayate Tariki“ für den Royal Philharmonic Society’s Chamber-Scale Composition Award nominiert.

Dea Ahma wurde 2003 geboren und stammt aus Gjakova, Kosovo. Sie studiert derzeit Komposition im Bachelorstudium an der Universität Prishtina „Hasan Prishtina“ in der Klasse von Drinor Zymberi.

Emre Şener (geb. 2001) ist ein preisgekrönter türkischer Komponist und Dirigent. Er ist Mitbegründer und Dirigent der London Contemporary Soloists. Şener studierte an der Royal Academy of Music in London und schloss mit höchster Auszeichnung ab. Ab Herbst 2024 beginnt er sein Masterstudium an der Juilliard School.

Zampia Betty Mavropoulou ist eine griechische Komponistin, die in Hannover lebt. Sie hat ihr Diplom in klassischer Gitarre in Griechenland abgeschlossen und studiert derzeit Komposition an der Hochschule für Musik, Theater und Medien Hannover. Sie studiert instrumentale Komposition bei Aaron Cassidy und  Niklos Drelas und elektronische Komposition bei Joachim Heintz.

Marie Nečasová lebt in Prag, Tschechien. Sie studierte Komposition in Prag, Linz und Lyon und setzt ihr Studium in Wien fort. Zusätzlich studierte sie Musikverlag, Buchgrafik und Alte Musik. In ihren Kompositionen verfolgt sie einen „visuellen“ Ansatz und verbindet Klangtexturen mit Stimmen und Melodien – Aquarellabstraktionen mit grafischen Linien.

Yalda Jahangiri (geb. 1999) studierte Musik an der Universität Teheran. Ihre Leidenschaft für zeitgenössische Komposition entdeckte sie während ihres Studiums. Derzeit studiert sie Komposition bei Maurizio Azzan, um ihre künstlerische Stimme weiterzuentwickeln.

Camila Agosto ist eine elektroakustische Komponistin, interdisziplinäre Künstlerin und Pädagogin in New York City. Ihre Arbeit wird von Konzepten wie Erinnerung, Wahrnehmung und psychoakustischen Erfahrungen inspiriert. 2023 erhielt sie den Berlin Prize der American Academy in Berlin und ist Deutsche Bank Fellow in Music Composition. Derzeit beendet sie ihr Doktoratsstudium an der Columbia University.

Hsin-HuaWang ist eine preisgekrönte taiwanesische Komponistin, Pianistin und Autorin, die in Los Angeles lebt. 2023 wurde sie bei den New Jersey Web Fest für die beste Filmmusik nominiert und erhielt 2021 den Preis „Special Achievement in Music for Animation“ von The American Prize. Sie hat einen MFA-Abschluss in Komposition von CalArts und einen Bachelor in Industriedesign von der National Cheng Kung University in Taiwan.

Hyo Eun (Heather) Ahn ist eine südkoreanische Komponistin, die derzeit in Baltimore lebt. Ahn studiert am Peabody Institute bei Oscar Bettison und Felipe Lara und hat zuvor Abschlüsse am Peabody Institute und der Ewha Women’s University erworben.

Cem Güven (geb. 1997) ist ein türkischer Komponist aus Istanbul. Er absolvierte die Juilliard School und die Royal Academy of Music und promoviert derzeit mit einem Stipendium an der Columbia University. Güven ist für den Gaudeamus Award 2024 nominiert und hat zahlreiche internationale Preise gewonnen. Seine Werke wurden von renommierten Orchestern und Ensembles aufgeführt.

Die Besetzung meiner Komposition „Oboe, Violine, Cello“ ist gleichzeitig „Programm“: Ich kreiere Texturen, in denen die Instrumente zusammenfinden und wieder auseinander-divergieren. So rückt die Interaktion der Instrumente mit ihren akustischen Möglichkeiten ins Zentrum meiner musikalischen Beobachtungen. Zwischen den Polen klanglicher Verschmelzung einerseits und extremer Individualität andererseits fungieren Oboe, Violine, Cello – trotz aller Unterschiede –zunächst wie die Arme  e i n e s  Organismus. Im formalen Verlauf lösen sich die Instrumente dann zunehmend aus gegenseitiger Verzahnung und verfolgen eigene Wege, bilden unabhängige Ebenen und „Subräume“.
Dabei kreise ich um das Zahlenverhältnis 2 zu 3. Zwei zu drei heißt unter anderem: zwei Streicher und ein Holzblasinstrument – bzw. zwei Streicher versus ein Holzblasinstrument. Das Trio ist eingangs eine Art Metainstrument. Die Proportion 2 zu 3 in rhythmischer wie formal-rhythmischer Hinsicht bildet vor allem aber auch eine motivische Keimzelle, die sich zusammen mit “Erinnerungs-Pfaden“ melodischer Art durch die musikalischen Transformationen ziehen und mein primär lineares Vorgehen prägen.
Auch Schichtungen und Multiplizitäten entstehen aus der Linie, die ich mehrdimensional auffalte. Dies Arbeiten mit linearen Schichtungen, die ich gleichzeitig, aber unabhängig voneinander in unterschiedliche Richtungen bewege, erlaubt mir Konfrontation und „Zuschärfung“ (ich beziehe mich auf den Begriff Wolfgang Welschs, Unsere postmoderne Moderne, S.3).
Die Komposition von „Oboe, Violine, Cello“ entstand für Hannah Weirich, Peter Veale und Dirk Wietheger und wurde durch ein Stipendium des Ministeriums für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen ermöglicht.

Sven-Ingo Koch

Klaus Hubers Bezug zur Welt wird gelegentlich „polydirektional“ genannt, auch der Komponist selbst spricht davon. Der Blick ins Werkverzeichnis und die darin gesammelten Partituren offenbart, dass der technische Terminus eine zutiefst menschliche Dimension hat. Er bedeutet Neugierde, Teilnahme, Empathie und den Willen, den Reichtum des Lebens im allgemeinen und der musikalischen Kunst im besonderen nicht nur vor der eigenen Haustür zu suchen. Die einstige Aufforderung an seine Studentin Younghi Pagh-Paan, die koreanische Herkunft und ihre Kultur zu bedenken und die Beziehung zwischen „eigen“ und „fremd“, diese Aufforderung hat Huber in umgekehrter Richtung auch sich selbst zugemutet: hat sich mittelalterliche oder arabische Musik kompositorisch erschlossen, hat Zu- und Widerspruch bei Dichtern, Theologen und Philosophen aus unterschiedlichsten Kulturen und Zeiten gesucht, hat den ihm allzu festen Grund der abendländischen Tonleiter verlassen und mit Drittel- oder Vierteltonskalen komponiert. Auch in Hubers erstem Streichtrio begegnen wir diesem Reichtum der Perspektiven. Des Dichters Pflug ist eine Hommage an Ossip Mandelstam. Zeilen aus Gedichten des Russen haben sich eingenistet in der Partitur, einige werden vom Cellisten „leise und unauffällig“ rezitiert, andere borgen Teilen des Werks ihre Rhythmik. Fasziniert von der Kraft des verfolgten Dichters, in „bedrängtester Enge einen immer noch wachsenden inneren Raum“ zu schaffen, entwirft Huber in Des Dichters Pflug einen musikalischen Raum, in dem das Verhältnis von Innen und Außen, von Vordergrund und Hintergrund, von „Hören und Nicht-mehr-Hören“ in ständiger Fluktuation ist. Der Perspektivwechsel wird nicht mit dem herkömmlichen Mittel einer gestaffelten Dynamik realisiert, sondern durch die Modulation von Klangfarbe, Rhythmik und Intonation. Das Tonmaterial leitet Huber ab aus drei dritteltönigen Skalen.

Raoul Mörchen

Meiner Mutter zum 70. Geburtstag gewidmet
Erst um die Wende vom 19. zum 20. Jahrhundert wurde das koreanische Volk mit europäischer Musik konfrontiert, und zwar durch einen deutschen Kapellmeister. Es handelte sich dabei vorwiegend um Militärmusik. Seither stehen wir – auch in unserer Ausbildung – in einem fortlaufenden Konflikt zwischen unserer traditionellen asiatischen Musikkultur und der europäisch-amerikanischen, die im Laufe der Zeit unsere eigene Tradition mehr und mehr verdrängte. In meinem Stück MAN-NAM I habe ich versucht, die Begegnung der beiden Kulturwelten zu gestalten, um den Kulturschock in mir selber zu überwinden. Dieses Stück wurde angeregt durch ein koreanisches Gedicht der Dichterin Sa-Im-Dang Sin (16. Jh.), in dem sie von ihrer Sehnsucht nach ihrer Mutter spricht. Sie hat es in chinesischer Schrift niedergeschrieben. Einige chinesische Schriftzeichen daraus habe ich als Symbole über die einzelnen Teile der Komposition gesetzt. MAN-NAM I gliedert sich in vier Teile, der dritte Teil leitet mit einer Violoncello-Kadenz in den letzten über. Im ersten Teil versuche ich zögernd, meine Angst zu überwinden. Der zweite Teil ist eine Flucht in die schützende Einsamkeit der Berge. Im dritten Teil wird der quälende Kampf, der durch den Kulturschock in mir ausgelöst wurde, ganz nach vorne getragen. Der abschließende vierte Teil wendet sich stärker der koreanischen Tradition zu. (Das Violoncello z.B. spielt ausschließlich Pizzicati und deutet damit den Klang zweier koreanischer Trommeln an.) Die Musik gewinnt ihre eigene Mitte und ruhige Festigkeit: Versöhnung.

Younghi Pagh-Paan © G. RICORDI & CO

Ein motorisch, maschinell laufendes System technologisch komplexer, verzerrter Instrumentalklänge bricht an inhärenten Instabilitäten und an seinem unvermeidlichen Verschleiß – zunächst in schleichenden Prozessen, dann an Kipppunkten auch abrupt umschlagend – über mehrere Stadien hinweg so weit, bis nur noch tempoinstabiles, stark geräuschhaftes Klopfen übrigbleibt.
Mehr denn je ist unsere Zeit geprägt von einer die vorhandenen Ressourcen verzerrenden und verzehrenden Dynamik, von unserer Abhängigkeit vom reibungslosen Funktionieren hochentwickelter, mächtiger, aber fragiler Technologien und zugleich von den Anfechtungen durch ihre Anfälligkeit aus sich selbst heraus und dem damit einhergehenden Gefährdungspotenzial für unsere Umwelt und somit für unsere Existenz an sich.
Wir sind gefangen auf der einen Seite in den Hamsterrädern der Arbeitswelt, auf der anderen Seite im grellbunten Überfluss, der Reizüberflutung der Freizeitwelt als vermeintlichem Ausgleich und Kompensation, was wiederum für viele Menschen auch Arbeit im Hamsterrad bedeutet.
Und dann passiert es: Stillstand, wie wenn ein Motor nicht (mal) mehr rattert, sondern kaputt nur noch taumelndes Klopfen von sich gibt. Die ganze Menschheit steckte in der Zeit der Konzeption dieses Werkes mit mehr oder weniger klopfendem Motor im ein oder anderen Lockdown fest. Es hätte eine heilsame Erfahrung sein können, eine Chance, die Zukunft anders zu denken, eine Katharsis des kollektiven Bewusstseins.

Matthias Sebasian Krüger

Dieses kurze Werk für Oboe, Klarinette und Streichtrio wurde 1989 komponiert als ein In memoriam für den russischen Filmregisseur Andrej Tarkowsky. Tarkowskys Filme sind reich an Bildern von Wasser – Flüssen, Regen, Seen und Kaskaden – von Ikonen, von J. S. Bachs Musik.
Er beschrieb das Wasser als das „Bewegen der Schnelligkeit des Films“. In „Zone“ bewegt sich die Musik in der Geschwindigkeit des Wassers. Es gibt präzise musikalische Transkriptionen der Tonhöhen und des Rhythmus bewegenden Wassers und einige ferne Reflexionen der Bach’schen Kontrapunkte.

Nigel Osborne