26.02.2020

Get to know Sara Cubarsi!

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Kennenlernen mit Sara Cubarsi

Die Geigerin Sara Cubarsi ist das neueste Mitglied des Ensembles Musikfabrik. 1991 in Barcelona geboren, studierte sie in London und Kalifornien und hat sich als Solistin, Komponistin und Kammermusikerin internationale Anerkennung erworben. Obwohl ihr Schwerpunkt auf der zeitgenössischen Musik liegt, liebt sie es, die verschiedensten Stilrichtungen zu erforschen und spielt auch auf der Barock- und der elektrischen Geige. Sara Cubarsi kuratiert ihr erstes Montagskonzert in der Musikfabrik am 2. März 2020.


Sara, erzähl uns von deinen wichtigsten musikalischen Einflüssen.
Meine Eltern sind keine Musiker, aber ich bin mit verschiedenen Arten von Musik aufgewachsen und alle meine drei Geschwister sind Geiger, die sich auf verschiedene Gebiete spezialisiert haben. Ich denke, das lebendige Umfeld des musikalischen Austausches, das ich zu Hause hatte und immer noch habe, ist das Hauptmerkmal meiner musikalischen Erziehung. Außerdem war ich immer ein Jascha Heifetz-Fan, und es gibt Komponisten, die mich direkt persönlich beeinflusst und geleitet haben, wobei der größte Einfluss von meinem früheren Kompositionslehrer Wolfgang von Schweinitz kam. Paradoxerweise hatte er großen Einfluss auf meine Reise in die Alte Musik. Viele Jahre lang verfolgte ich die Arbeit der Gruppe Wandelweiser und der Interpreten und Komponisten von Plainsound, und in Kalifornien umgab ich mich mit Weltmusik und experimentellem Noise-Metal. All diese Elemente prägen meinen Musikgeschmack...

Du trittst als Performerin, Komponistin und bildende Künstlerin auf - gibt es ein verbindendes Element?
Als ich in Kalifornien studiert habe, waren diese Aktivitäten völlig miteinander verwoben. Ich führte meine eigenen Arbeiten auf und machte Wachsmalereien, die zur gleichen Zeit wie die Aufführung schmolzen. Dort hatte ich viel Zeit und Raum zum Experimentieren. Ich interessierte mich für die reine Intonation und die Herausforderung des perfekten Gleichgewichts, sowohl in der Stimmung als auch in der greifbareren Welt. Das Wachs wurde für zu einer parallelen Leidenschaft gegenüber der Intonation, wahrscheinlich wegen seiner Eigenschaften. Der Umgang mit Wachs war ein bisschen wie der mit der Stimmung, es zeigt sich zerbrechlich und empfänglich (oder verletzlich) für äußere Veränderungen. Ich interessierte mich auch für die Idee von 'vibrierendem Material' (es gibt ein sehr interessantes Buch von Jane Bennett), und ich wurde inspiriert, über diese Entitäten nachzudenken, die ihr eigenes, relativ unvorhersehbares Leben haben, so dass die Wachsbilder sich in der Aufführungszeit irgendwie selbst choreographierten. Ich fand auch, dass die Erfahrung, mikrotonale Musik aufzuführen, verschiedene Sinne stimuliert. Es ist etwas sehr Sinnliches in dieser Musik. Das Komponieren für diese Bilder musste auch eine gewisse Offenheit und Empfänglichkeit dafür zulassen, wie und wann das Wachs schmilzt. Es hat mir Spaß gemacht, dieses Gespräch mit Materialien außerhalb der Musik in die Musik zu integrieren.

Du machst auch viel Barockmusik - macht das für dich einen Unterschied oder ist es im Grunde dasselbe wie die Arbeit an einem zeitgenössischen Stück?
Ja, es ist mehr oder weniger dasselbe... mit einer leichten Zeitverschiebung. Bei Barockmusik kann man nicht direkt mit dem Komponisten sprechen. Man fragt sich, wie die Instrumente der damaligen Zeit klangen, wie der historische Kontext unseren Geschmack, unsere musikalischen Entscheidungen und Prioritäten beeinflusst, usw. Aber diese Lücke wird durch das Studium von alten Dokumenten, Gemälden, erhaltenen Instrumenten usw. und ein wenig Phantasie gefüllt. Natürlich werden diese Parameter beim Erlernen eines Stückes eines heute lebenden Komponisten unmittelbarer behandelt, aber ähnliche Fragen stellen sich auch in der Neuen Musik, vor allem weil jeder Komponist heute eine so andere Welt präsentiert. Ich denke, dass einer der Hauptunterschiede beim Betrachten der Notation an die Oberfläche kommt. Man kann viele Aufführungspraktiken in der Alten Musik durch Abhandlungen kennen lernen, aber nicht so sehr durch die Notation, es gibt so viel, was nicht in der Partitur steht, weil die Aufführungspraxis mehr oder weniger standardisiert ist, zumindest nach Regionen. Aber im Bereich der zeitgenössischen Musik entwickelt jeder Komponist oft einen eigenen Notationsstil, der seinen eigenen musikalischen Prioritäten entspricht. Diese Prioritäten ändern sich in der zeitgenössischen Musik von Komponist zu Komponist so viel mehr, als wenn man die Barockkomponisten betrachtet. Wegen dieser Vielfalt an Stilen und Aufführungspraktiken in der Neuen Musik von heute tendieren die meisten zeitgenössischen Komponisten, die ich spiele, dazu, in der Partitur zu versuchen, zu reflektieren, wie sie so genau wie möglich klingen oder ausgeführt werden sollte - und normalerweise gehen der Partitur die Aufführungsnoten voraus, die wie das Miniaturäquivalent einer Abhandlung über Alte Musik aussehen würden. Da ist auch die Frage nach Zweck und Funktion als Interpreten - es fühlt sich beim Spielen neuer Musik nicht so gravierend an wie beim Rückblick auf 300 Jahre und der Entscheidung, diese Musik heute zu spielen ... Vielleicht ist es also im Grunde genommen nicht dasselbe?

Warum der Fokus auf zeitgenössische Musik?
Für mich war die Beschäftigung mit neuer Musik eine Selbstverständlichkeit, ich habe mich an der Hochschule mit den Komponisten umgeben - und ich komponiere selbst ein bisschen. Aber das ist eine seltsame Frage. Ich versuche, nicht das für morgen zu lassen, was ich heute tun könnte, und bei der Musik bedeutet das für mich, es nicht den Enkeln Deines Freundes zu überlassen, wie sich unsere Zeitgenossen ihre Musik vorstellen (obwohl, wenn wir aus dem Grab heraus spionieren könnten, wäre das auch sehr interessant).

Was möchtest du als Mitglied des Ensemble Musikfabrik für dich und die Gruppe erreichen?
Ich lerne viel aus der Arbeit mit diesen erstaunlichen Musikern. Sie haben viel Erfahrung und arbeiten schon sehr lange zusammen - man spürt ein hohes Maß an Vertrauen, Komfort und Wissen voneinander, es herrscht eine gesunde Stimmung. Diese langjährige Ensemblesituation ist eine besondere Chance und eine für mich immer noch neue Erfahrung, die es erlaubt, musikalisch mehr ins Detail zu gehen, als wenn man ständig neue Leute in der freien Szene trifft und mit ihnen spielt. Man bringt auch eigene musikalische Einflüsse in das Ensemble ein und lernt die Interessen anderer kennen. Außerdem finde ich es wichtig, dass das Ensemble aus Interpreten der jüngeren Generationen und aus verschiedenen Ländern besteht, da jeder von uns eine direkte Verbindung zu einer anderen Generation von Komponisten und Ansichten hat.

Get to know Sara Cubarsi

The violinist Sara Cubarsi is the newest member of the Ensemble Musikfabrik. Born in Barcelona in 1991, she studied in London and California and has gained international recognition as a soloist, composer and chamber musician. Although her focus is on contemporary music, she loves to explore a wide variety of styles, and also performs on the baroque and the electric violin. Sara Cubarsi curates her first monday concert on March 2nd, 2020.


Sara, tell us about your main musical influences.
My parents are not musicians, but I grew up listening to different kinds of music and all my three siblings are violinists specializing in different fields. I think the lively environment of musical exchange that I had, and still have, at home is the main characteristic of my musical upbringing. Additionally, I have always been a Jascha Heifetz fan, and there are composers that have directly/personally influenced and guided me, the biggest influence coming from my past composition teacher Wolfgang von Schweinitz. Paradoxically, he had great input in my journey into early music. For many years I followed the work of the Wandelweiser group and the Plainsound community of performers and composers, and in California I surrounded myself by world music and experimental noise metal. All these elements shape my musical taste...

You appear as a performer, composer and visual artist - is there a combining element?
When I was studying in California, these activities were completely interwoven. I was performing my own work, and making wax paintings that melted at the same time as performing. There, I had a lot of time and space for experimentation. I was interested in just intonation and the challenge of perfect equilibrium, both in tuning and in the more tangible world. Wax became a parallel obsession with intonation, probably because of its qualities. Dealing with wax was a bit like dealing with tuning, it shows itself fragile and receptive (or vulnerable) to external changes. I was also interested in the idea of ‘vibrant matter’ (there is a very interesting book by Jane Bennett), and was inspired to think about these entities as having their own relatively unpredictable lives, so the wax paintings kind of choreographed themselves in performance time. I also found the experience of performing microtonal music to stimulate different senses, there is something very sensual in this music. Composing for these paintings had to also allow a certain openness and receptivity to how and when the wax will melt. I enjoyed bringing this conversation with materials outside of music into music.

You also do a lot of baroque music - does it make a difference for you or is it basically the same thing as working on a contemporary piece?
Yes, it’s more or less the same thing... with a slight time displacement. With baroque music, one cannot talk directly to the composer. One wonders how the instruments of those times sounded, how the historical context affects our taste, musical choices and priorities, etc. But this gap is filled by the study of old documents, paintings, surviving instruments, etc., and a little bit of imagination. Of course, these parameters are dealt with more immediacy when learning a piece by a composer who is alive today, but similar questions come up in new music too, especially because every composer presents such a different world today. I think that one of the main differences comes to the surface when looking at notation. One can learn about many of the performance practices in early music through treatises, but not so much through notation, there is so much that is not written in the score, because of a more or less standardized performance practice, at least by regions. But in the field of contemporary music, each composer often develops their own notation style that suits their own particular musical priorities. These priorities change so much more from composer to composer in contemporary music, than when looking at baroque composers. Usually, the tendency of most contemporary composers that I play is to try to reflect in the score how it should sound or be executed as accurately as possible, because of this variety in styles and performance practices in new music today - and usually the score comes preceded by the performance notes, which would be like the miniature equivalent to an early music treatise. There is also the question of purpose and function as performers - it doesn’t feel as heavy when playing new music as when looking back 300 years and deciding to play that music today … So perhaps it is not basically the same in the end?

Why focus on contemporary music?
For me, my involvement with new music happened naturally, I used to hang out with the composers at college - and I compose a bit myself. But this is a strange question. I try not to leave for tomorrow what I could do today, and with music, for me, this means not leaving it up to your friend’s grandchildren to figure out how our contemporaries imagine their music to sound (although, if we could spy from our grave, that would also be very interesting).

As member of Ensemble Musikfabrik what do you wish to achieve for yourself and for the group?
I learn a lot from working with these amazing musicians. They have a lot of experience and have been working together for a very long time - one can feel a high level of trust, comfort, and knowledge of each other, it’s a healthy vibe. This long-term ensemble situation is a special opportunity, and still a new experience for me, that allows going into more musical detail than when you are constantly meeting and playing with new people in the freelance scene. One also brings their own musical influences into the ensemble, and gets to know others’ interests. Also, I think it’s important for the ensemble to have performers from younger generations and from a variety of countries, each of us being a direct connection to a different generation of composers and views.